Um amigo meu diz que Serge Gainsbourg é, pra França, o que Chico Buarque é pra nós, brasileiros. Fato. Artistas como Piaf, Trenet, Salvador e Brel são lendas, mitos da música francesa. Gainsbourg certamente está na lista.
Serge nasceu em Paris em 1928. Ele era filho de judeus russos que fugiram do país pra escapar da revolução de 1917. Seu pai era pianista, e se apresentava em clubes da capital francesa.
Gainsbourg estreou na vida artística em 1958, quando lançou seu primeiro disco de vinil. Em 1968 sua carreira já havia deslanchado: foi quando teve um affair com outro mito francês, a atriz Brigitte Bardot. Com ela, Serge gravou várias canções. Dentre elas o clássico “Je t’aime... moi non plus” – bastante sugestiva, por sinal. E por falar em sugestividade, essa é a cara das composições de Gainsbourg. Suas músicas são marcadas pelo duplo sentido, e pela forte insinuação sexual.
Gainsbourg compôs “Je t’aime...” pra Bardot, mas quem gravou a canção pela primeira vez foi a atriz inglesa Jane Birkin – que aparece em cenas de nudez do clássico “Blow up – depois daquele beijo”, de Michelangelo Antonioni. Gainsbourg casou-se, posteriormente, com Birkin, com quem teve Charlotte Gainsbourg, atriz que estrelou “Anticristo”, de Lars Von Trier.
Álcool, cigarros, escândalos e muitas mulheres foram os principais elementos da vida pública de Serge Gainsbourg. Ele colecionava polêmicas e amantes. Na música, seus maiores sucessos eram quase sempre gravados nas vozes de outras pessoas, como Françoise Hardy, Vanessa Paradis e Juliette Gréco.
A obra de Gainsbourg é muito diversa. Ele compunha de jazz a reggae, e ia do rock à música romântica. Sempre canções recheadas de duplo sentido, é claro. Muitas de suas músicas foram parar em trilhas sonoras de filmes, programas de TV, etc. O clássico “Je t’aime...” foi regravado inúmeras vezes. Teve versões feitas por Ray Conniff e Donna Summer.
Serge faleceu em 1991, por complicações cardíacas. Deixou uma obra vasta, e se tornou um mito da música da França.
Et voilà “Je t’aime... moi non plus”, que aqui no Brasil é a cara de “trilha sonora de motel” (como diz uma amiga minha) e programas de TV que falam sobre sexo:
Este post é dedicado ao colega Igor Lins, que gosta bastante do grande Serge :-)
Foi uma toada a marca mais profunda que o “rei do baião” deixou na música popular brasileira. Asa Branca é uma imagem, o retrato definitivo de uma realidade perene. De Luiz Gonzaga, o folclorista Luís da Câmara Cascudo dizia que era o cantor do Nordeste seco: “Paisagem pernambucana, águas, mato, caminhos, silêncios, gente viva e morta”. Entre suas canções sobre a seca e o sertão, Asa Branca é provavelmente a mais bem-acabada e, sem dúvida, a mais popular.
Gustav Mahler é o Beethoven do século 20. Suas monumentais nove sinfonias constituem um Himalaia musical a ser conquistado por maestros e orquestras sinfônicas do planeta. Músicos põem seu talento à prova ao interpretá-las. E o público encontra nas obras do compositor o que ele almejava ao escrevê-las: “Uma sinfonia deve ser como o mundo. Abranger tudo”. Mahler ocupou um lugar que durante um século e meio, até os anos 1950, foi cativo de um gênio: Beethoven e suas nove sinfonias.
Na mitologia grega, Orfeu é um músico que, com sua lira, consegue domar os guardiães do reino dos mortos para resgatar sua amada, Eurídice. Nada mais sintomático, assim, que a grande ópera da história tenha o personagem como protagonista. Orfeu, do italiano Claudio Monteverdi, não foi exatamente a primeira ópera escrita – a honra cabe a Dafne, hoje perdida, do também italiano Jacopo Peri, autor ainda de uma Eurídice, normalmente tida como a mais antiga ópera cuja partitura se conservou. Como muitas do período, ela reflete as especulações intelectuais do grupo de pensadores conhecido como Camerata Florentina, que buscavam recriar a unidade entre música e poesia que imaginavam existir no teatro grego antigo. Por isso, não passa hoje de curiosidade musicológica.
A obra de Erik Satie manteve-se inclassificável e em constante mutação ao longo das décadas. Apesar de ter influenciado músicos franceses das várias correntes musicais modernistas de sua época, o excêntrico compositor ficou à parte de todas elas. O estilo de Satie alcançou o ponto máximo de clareza e despojamento em Entr'acte, sua última criação.
Tempos Modernos tornou-se um dos filmes mais conhecidos de Charles Chaplin muito por causa das cenas da primeira parte da história, nas quais o personagem Carlitos aparece como empregado de uma linha de montagem que acaba sendo engolido pela máquina. O trabalho de apertar parafusos é tão repetitivo que produz no protagonista comportamentos obsessivos mesmo fora do ambiente da fábrica. Amalucado, ele passa a apertar qualquer botão que encontra pela frente, como os que vê no vestido de uma senhora que cruza a rua. A crítica à forma mecânica da exploração do trabalho em linhas de produção é evidente, mas não é a única que o filme faz.
Nos anos 1950, durante a chamada “caça às bruxas”, em que o senador Joseph McCarthy liderou um processo de julgamento de pessoas públicas sob a acusação de atividades anti-americanas (leia-se “comunismo”), este foi um dos filmes que levaram Chaplin a ser perseguido politicamente, o que culminou com seu exílio na Suíca.
É difícil imaginar como um jovem de 17 anos pode escrever uma música tão perfeita como Sonhos de uma Noite de Verão, que, inspirada na peça de William Shakespeare, é uma das obras mais belas do repertório erudito e cujas características predominantes são a jovialidade, a alegria e o senso de humor, revestidos de uma elegância incomparável.
O scherzo, segunda parte da obra, tem a graça, a leveza e o humor que resumem bem a confusão que se instala na floresta, narrada por Shakespeare, quando entra em cena uma poção que faz com que as pessoas se apaixonem pelo primeiro ser que observam. É inevitável, dessa forma, que os casais mais incomuns se formem e vivam, ao menos, uma única noite de verão em completa felicidade. O personagem Nick Bottom, que ganha orelhas de burro depois de ser enfeitiçado por Obrerom, é lembrado no scherzo pelo desenvolvimento das cordas que simulam o zurrar do animal. A temática bem-humorada desse trecho da história ganha contornos líricos com Mendelss
Conhecida mundialmente como uma das mulheres mais bonitas de todos os tempos e considerada a loira mais famosa de Hollywood, Marilyn Monroe, nome artístico de Norma Jean Baker, foi uma mulher que abalou muitos corações mundo afora, incluindo em suas conquistas muitos homens poderosos como o dramaturgo Arthur Miller e o ex-presidente estadunidense John Kennedy.
Carlos Gardel foi o mais famoso dos cantores de tango argentino. Foi compositor, intérprete e ator de inúmeras canções e musicais. Ainda hoje, a Argentina reverencia Gardel tanto quanto o jogador de futebol Diego Maradona. Não há um único cidadão argentino que não tenha profunda admiração por esses dois ídodos do país do tango.
“Napoleão morreu, mas um novo conquistador já se revelou ao mundo. E de Moscou a Nápoles, de Londres a Viena, de Paris a Calcutá, seu nome está em todas as bocas. A fama desse herói não tem fronteiras, a não ser as da própria civilização.” É assim que o escritor francês Stendhal abre A Vida de Rossini, a primeira biografia sobre o italianíssimo Gioacchino Rossini.
E aqui está uma das maiores dificuldades ao interpretar sua obra: trazer à tona toda essa alegria, toda essa leveza, sem perder de vista a seriedade de sua escrita, a qualidade de sua instrumentação e a transparência de sua textura vocal e orquestral, somente comparável à de Mozart.
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